A banda mexicana Maná fez nos dias 4 e 5 de junho em São Paulo dois shows pela turnê de lançamento de seu último CD/DVD “Arde El Cielo”, gravado ao vivo em Porto Rico em março do ano passado e lançado no último dia 29 de março. O grupo conseguiu fazer com que o público brasileiro lotasse a apresentação no Credicard Hall e entoasse sucessos como “Vivir Sin Aire” e “Labios Compartidos”.

Os mexicanos, que já estão na estrada há quase 30 anos, são uma exceção na música latino-americana, pois trata-se de uns dos poucos artistas que cantam em espanhol e conseguiram fazer sucesso em países como o Brasil, que sempre tiveram resistência a músicas cantadas nesse idioma. Sua mistura de pop rock com ritmos latinos, com refrões marcantes e melodia bem construída fez com que os brasileiros se rendessem à música hispânica.

Outros artistas já fizeram sucesso no Brasil cantando no idioma predominante na América Latina. Entre eles a colombiana Shakira e o porto-riquenho Rick Martin, porém estes “americanizaram” suas carreiras e abandonaram o idioma natal, sendo o inlglês a língua predominante em seus sucessos de tempos pra cá. Ao contrário deles, o Maná começou a carreira cantando em inglês, mas preferiu manter suas origens adotando o espanhol para cantar suas músicas, decisão que mantém até hoje e faz parte da originalidade da banda.

O apego e o respeito à cultura mexicana e hispânica de uma forma geral sempre foram uma característica marcante do conjunto, estando inclusive presente nos arranjos e em boa parte das letras da banda. Outra característica é a preocupação social de seu vocalista Fher Olvera, também presente nas letras. Fher é muito comparado com Bono Vox por seu ativismo. Entre outras ações, o grupo criou uma ONG para proteger os ecossistemas na América, declarou apoio a causa da independência de Porto Rico, criticou diversas vezes o ex-presidente mexicano Vicente Fox por suas políticas, além de terem dedicado uma canção, “Cuando Los Ángeles Lloran”, ao seringueiro brasileiro Chico Mendes, morto em 1988 e mártir da luta ambiental no mundo todo.

Toda essa dedicação a causas políticas e ambientais sempre foi muito criticada como sendo hipocrisia, como acontece com toda artista pop envolvido nisso, afinal querendo ou não o Maná é uma banda comercial e faz parte do establishment do capitalismo.

Apesar de tudo isso, é atualmente a banda latina de maior sucesso no mundo, com mais de 20 milhões de discos vendidos. Seu sucesso é estrondoso também nos EUA, onde atinge boa parte do público latino.

Seus últimos discos tem feito sucesso semelhante aos discos mais antigos e clássicos da banda, o que mostra a regularidade do grupo. É verdade que foram feitas poucas inovações no estilo musical da banda desde o seu começo, mas isso em parte explica a fidelidade de seus fãs e o sucesso constante por mais de 20 anos. O último DVD “Arde El Cielo”, vem para comprovar essa tese, já que a turnê de lançamento está tendo grande êxito até aqui, e os números de vendagem vêm surpreendendo em tempos de pirataria e MP3.

A realidade é o que o Maná, apesar de pra muitos ser apenas mais uma banda pop, é de fato um fenômeno mercadológico. Pouquíssimos artistas de origem latina, e principalmente mexicana, conseguem chegar ao patamar que o Maná chegou, e isso já dá a eles o mérito por tudo isso. Afinal, chegar no Brasil cantando em espanhol e ainda assim lotar uma apresentação de fãs insandecidos, como o Maná fez, é um feito digno de admiração.

Por Gabriel Gama e Leandro Miranda

Soda Stereo, um dos grupos de rock mais famosos da Argentina, retomou a carreira depois de 10 anos – e já se separaram novamente. Foi um sucesso em toda a América Latina, mas o Brasil sequer ouviu seu som cheio de gás.

Os Paralamas do Sucesso cantaram, o Capital Inicial também e você certamente já ouviu alguma vez o refrão “Naquele amor / A sua maneira / Perdendo o meu tempo / A noite inteira…”. Agora, o nome Soda Stereo faz você lembrar de algo?
 

 
Acalme-se, caro leitor. Não, não é uma mistura de bandas musicais com marcas de refrigerantes. O Soda Stereo é um dos grupos de rock mais famosos da Argentina e fez um retorno relâmpago e de grande sucesso ao cenário musical em 2007.
 
O trio formado por Gustavo Cerati (voz e guitarra), Zeta Bosio (guitarra) e Charly Alberti (bateria) havia se separado em 1997 depois de sete álbuns de estúdio e três ao vivo lançados e 15 anos ininterruptos de sucesso.

Para se ter uma idéia da importância do Soda Stereo, o grupo representaria, na Agentina, o que Paralamas do Sucesso e Titãs significaram para o rock brasileiro nos anos 80.
 
Por isso, quando foi anunciada a volta da banda em 19 de junho de 2007, a empolgação tomou conta dos hermanos. Em suas 22 apresentações pela América Latina na turnê de retorno, intitulada “Me verás volver”, foram vendidos mais de um milhão de ingressos. Seus shows, no estádio do River Plate, atraíam mais espectadores do que as exibições de The Police e dos Rolling Stones no país.
 

A volta do trio também foi aclamada pela crítica, recebendo destaque até mesmo da versão latino-americana da revista Rolling Stone – a mais importante do gênero. Acha pouco? Então que tal ser recebido pela presidenta da Argentina, Cristina Kirchner? O encontro aconteceu pouco antes do último show do grupo, no estádio El Monumental, e durou cerca de quarenta minutos.
 
Influenciados por grupos como The Police e Television, o trio iniciou a carreira em 1982 e desde então se tornou um dos grupos mais populares da Argentina e da América Latina (com exceção do Brasil).
 
Álbuns de sucesso não faltaram, como “Doble Vida”, que contou com a produção artística de Carlos Alomar, guitarrista que trabalhou com John Lennon, Paul Mcartney e David Bowie; o acústico “Comfort e Música para Vollar”, além de “Cáncion Animal” e “Signos”, ambos integrantes dos 100 melhores discos argentinos de rock, segundo eleição da Rolling Stone.
 
Apesar de tamanho sucesso, como acontece com a maioria dos grupos da América Espanhola, o Soda Stereo nunca conseguiu emplacar “hits” no Brasil. Poucos brasileiros conhecem o som destes argentinos – o mais perto que o trio esteve do país foi com a regravação de uma de suas canções mais conhecidas, “De música ligera“, pelos Paralamas do Sucesso, no álbum “Nove Luas”, de 1996, e pelo Capital Inicial, no disco “Rosas e Vinho Tinto”, de 2001, que recebeu o título de “A sua maneira”. Sim, é dessa canção que você conhece o refrão que abre esta matéria.

 
 
Em setembro de 1997, devido a problemas internos, os três integrantes se separaram e partiram para carreiras solo. Contudo, depois de dez anos e muitos pedidos de fãs, Gustavo, Zeta e Charly se reuniram para uma derradeira turnê.

Ao total, foram 22 shows em nove países ao redor da América Latina, quase sempre com lotação esgotada. Em 21 de dezembro de 2007, assim como na despedida de dez anos atrás, o Soda Stereo se apresentou em um Monumental de Nuñes (estádio do River Plate) lotado.

O Brasil, que sempre ignorou a música desse consagrado grupo, não recebeu sua visita. E nem receberá: Os integrantes do Soda Stereo afirmam que aquele foi o último show da história do trio. Será que dessa vez é para valer?

No Brasil, vocês podem escutar o som deles no intervalo da programação da Sony e na abertura da novela Lalola – Sim, aquela que passa no SBT. As músicas da banda têm umas letras bonitinhas, mas os clipes não tem muito a ver com o que a letra fala. Eu acho os clipes divertidos.

O clipe que eu to postando é da música Don,  gravada em 2005, no primeiro álbum com a gravadora Pelo Music. A canção projetou a Miranda! por causa de uma metonímia da letra com a palavra solo e Lolo – Lolo é o guitarrista da banda.

Acho que é isso, pessoal.

Beijo

Pois é. Roberto Carlos e Caetano Veloso farão três shows juntos em homenagem a Tom Jobim. As apresentações fazem parte da celebração dos 50 anos da Bossa Nova, realizada pelo programa Itaúbrasil, do banco Itaú. Além do dueto de Roberto e Caetano, a celebração contará com uma turnê de Miúcha, importante cantora da Bossa Nova, e o retorno de João Gilberto, fundador do movimento, aos palcos brasileiros. A parceria entre o rei e o compositor baiano não é inédita, pois os dois já cantaram juntos. Em 1975, a dupla cantou a música “Como dois e dois”, composta por Caetano, especialmente, para Roberto Carlos no especial de fim de ano. No entanto, esta será a primeira vez que os dois dividirão o palco.

A apresentação terá Monique e Felipe Hirsch como diretores gerais, Daniela Thomas como cenógrafa e Jaques Morelenbaum como diretor musical. Durante o show, Caetano e Roberto dividirão o palco com uma orquestra de 30 músicos e Daniel Jobim, neto do homenageado. O repertório ainda não foi definido, mas os organizadores sugerem “Eu sei que vou te amar”, “Por causa de você” e “Lígia”, que Roberto gravou com Tom. Os shows acontecerão no Rio de Janeiro, em única apresentação, e em São Paulo. No Rio, o dueto se apresentará no Teatro Municipal, no dia 15 de gosto, e em São Paulo, no Auditório do Ibirapuera, nos dias 25 e 26 de agosto. Os ingressos ainda não estão a venda.

Assista ao vídeo de Roberto e Caetano cantando “Como dois e dois”: 

Se você é daqueles que só ouvem rádio o dia todo, é pouco provável que conheça The Fratellis. O trio escocês de rock alternativo começou a carreira em Glasgow em 2005, e já fez fama internacional, sem tocar em praticamente nenhuma rádio brasileira. A banda faz parte do grupo de músicos que tem feito sucesso através da internet, em sites como o MySpace e o Last.fm.

Em 2007, Jon, Barry e Mince ganharam milhares de fãs e venderam mais de um milhão de CDs com Costello Music, de estilo único, batidas marcantes e letras inteligentes. Agora, é a vez de Here we Stand. O novo disco deve chegar às lojas no próximo dia 10, mas os mais apressados já podem ouvir as canções no MySpace, ou fazer o download através da internet.

Mais madura, a banda aposta em hits mais sérios e menos “brincalhões”; mas não perde a identidade. Basta ouvir um verso do primeiro single, Mistress Mabel, para reconhecer a inconfundível voz de Jon Fratelli. E, mesmo com um ano a mais de estrada, músicas como My Friend John e Tell me a Lie lembram a animação do primeiro disco.

Desafio lançado, os músicos procuram bater a vendagem do primeiro álbum e conquistar mais fãs fora da Europa, onde fizeram nome. Em release no site da banda, Jon diz que a música, algumas vezes, define o artista. “Eu gostaria que a música que nós fazemos nos definisse”, completa. Pode acreditar, Jon, ela define.

Assista aqui ao primeiro single, Mistress Mabel:

Gostou? Ouça mais:

www.thefratellis.com

www.myspace.com/littlebabyfratelli

Das águas dos mares veio novamente a inspiração para o novo CD de Adriana Calcanhotto. Lançado recentemente, o álbum Maré, oitavo disco da cantora, pode ser o segundo de uma possível de uma trilogia pelos mares. O trecho referido compõe a música “Quem vem pra beira do mar”, de Dorival Caymmi, regravada pela cantora no primeiro disco sobre o tema – Maritmo, em 1998.

Maré é o segundo disco “mar adentro” da cantora

 Em entrevista à Folha de S. Paulo, Adriana Calcanhotto afirmou que pelo fato de muitas músicas terem ficado de fora há chances de criar outro cd na mesma onda.  Ela foi para o estúdio com 20 canções e gravou apenas 11. Dentre elas, Onde andarás – de Caetano Veloso e Ferreira Gullar , Para lá – com Arnaldo Antunes,  Sem saída – poema de Augusto de Campos musicado pelo filho da cantora, Teu nome mais secreto – sua última parceria com Waly Salomão. Nas músicas de Maré navegam outros músicos e parceiros como Péricles Cavalcanti, Antonio Cicero, Cazuza, Marisa Monte, Gilberto Gil, Rodrigo Amarante e outros.

Como a própria Adriana definiu, Maré é um disco de transição entre Maritmo e a obra que está por vir – “Talvez por estar entre o primeiro e o terceiro é que ele tenha ficado tão entre a mulher e o peixe, entre a palavra e o emaranhamento quântico, entre a linguagem e o indizível.”

Depois de passar pela Argentina, a turnê de divulgação do disco segue agora por Portugal. No dia 13 de junho, Adriana faz sua primeira apresentação no Brasil, em São Paulo no Citybank Hall.

Maiores informações no site oficial:

http://www.adrianacalcanhotto.com/sec_agenda2.php

Segundo informa a Folha Online, Cara B é o registro da turnê do cantor pelos Estados Unidos, pela Europa e pela América hispânica, e que deve passar pelo Brasil no segundo semestre.

Já no segundo disco, Cara C, Drexler canta canções em italiano, catalão, português e inglês e busca inspiração no álbum “Araçá Azul”, de Caetano Veloso, segundo o uruguaio, “cheio de canções malucas”.

Ganhador do Oscar de 2004 pela canção “Al Otro Lado del Rio”, do filme “Diários de Motocicleta”, Drexler atualmente trabalha na trilha de “The City of Your Final Destination”, produção de James Ivory, que se passa na Aregntina e no Uruguai. 

Isso mesmo!!! A banda mexicana Maná se apresenta nos dias 04 e 05 de junho, no Credicard Hall. Os ingressos variam de R$80,00 e R$300,00. O grupo, que lança o show “Arde el cielo”, traz um repertório que mistura ritmos latinos, pop e rock. E, é claro, atendendo pedidos de fãs, vão tocar o sucesso Corazón Espinado, produzida em parceria com Carlos Santana.

O baterista Alex González, em entrevista ao Portal Globo.com, destaca a receptividade e o interesse que o Maná tem encontrado nas suas andanças. “É impressionante ver que um grupo como o nosso chegou tão longe usando nossa língua e que há um interesse pelo espanhol em outras culturas e outras partes do mundo”. Alex e sua turma atribuem o sucesso do Maná ao excelente trabalho de divulgação e, logicamente, à qualidade de suas músicas.

Como deveria ser, o conjunto também embala os cariocas. No Rio de Janeiro, a apresentação está marcada para o dia 06 de junho, no Citibank Hall. Os ingressos são mais caros que na capital paulista, variando de R$120, 00 a R$250,00, porém, nas duas cidades, estudantes e aposentados pagam meia-entrada mediante comprovação.

Pra quem curte, fica a dica ^^

 O ano é 1968. O cenário cultural e político são de uma efervescência constante. O espírito libertário promete abalar velhos conceitos e as trincheiras da resistência começam, inevitavelmente, a surgir diante de um regime autoritário.

O movimento tropicalista mostrava sua face no III Festival de MPB da TV Record, com a participação das músicas “Alegria, alegria”, de Caetano Veloso, acompanhado dos Beat Boys e “Domingo no Parque”, de Gilberto Gil, acompanhada de Os Mutantes.

Porém, foi no álbum coletivo “Tropicália ou Panis Et Circensis”, lançado em julho de 68, que o manifesto se firmou e o movimento se mostrou a um país no mínimo desacostumado com tais inovações na música brasileira.

O maestro Rogério Duprat, arranjador de maior parte das músicas tropicalistas, afirmou em entrevista a Ana de Oliveira: “A Tropicália foi o único movimento que fez algo difícil de fazer no mundo, e com originalidade”.

Entre o bolero e o Rock, o samba e salsa, as letras e arranjos impressionaram pela mistura e pelo caráter supostamente descompromissado com as questões políticas.

A presença de Caetano, Gil, Gal, Tom Zé, Os Mutantes e Nara Leão, sob a batuta de Rogério Duprat, reafirmavam uma polêmica que opunha experimentalismo e engajamento, participação e alienação.

“Pretendiam ser uma esquerda radical, mas não eram radicais coisa nenhuma, porque na verdade defendiam valores ultrapassados”, disse Duprat sobre os contestadores do tropicalismo.

Em contraposição às canções de protesto de Chico Buarque e “Caminhando e Cantando”, de Geraldo Vandré, músicas como “Panis et Circensis” e “Geléia Geral” aumentam os confrontos entre os nacionalistas de esquerda e os vanguardistas tropicalistas.

 Estes propunham a internacionalização da cultura e uma nova expressão estética, não restrita ao discurso político. Para eles, entender a cultura de massas era tão importante quanto entender as massas revolucionárias.

Além dos discos lançados, as apresentações nos programas de TV impulsionaram o movimento. Em especial, na final do III Festival Internacional da Canção (FIC), realizado pela Rede Globo no dia 15 de Novembro de 68, que Caetano e Gil se manifestaram contra o “bom gosto” que a patrulha de esquerda e direita impunham à cultura.

Debaixo de vais veio a desclassificação da música “Questão de Ordem”, de Gilberto Gil. Em seguida, Caetano, com a música “É Proibido Proibir”, entrou em confronto com a platéia.

Em um momento reconhecido como um marco, Caetano, vestido com roupa de plástico brilhante e colares exóticos, e Os Mutantes foram recebidos com ovos, tomates e pedaços de madeira.

A platéia de costas para o palco e, em resposta, a banda de costas para platéia e o discurso inflamado de Caetano: “Vocês não estão entendendo nada, nada, nada, absolutamente nada”.

Em uma ano que marcou a eclosão e fechamento de tudo, o movimento não compreendido teve seu final com a prisão de Caetano e Gil, logo após a promulgação do AI-5.

Porém, os discos dos dois artistas, lançados em 67, e o disco-manifesto “Panis et Circensis” marcaram a época a ainda hoje influenciam músicos e artistas de modo geral.

“Não dá para trocar isso por nada. Aconteceu uma única vez e não terá mais repetição. Foi no lugar certo, na hora certa e com as pessoas certas”. Assim afirmou Manuel Barenbein, produtor musical dos artistas do tropicalismo e de muitos outros que fizeram história.

 História que hoje é relembrada nesses 40 anos do tropicalismo, de uma vanguarda que impressionou e ainda impressiona muitos iniciantes ou veteranos no universo musical.

Como Lucas Prates, 20, estudante, fã dos mutantes há oito anos. “Com a entrada do rock psicodélico no Brasil através dos Mutantes, houve a junção de vários ritmos, como sertanejo, bossa nova e samba, o que possibilitou a criação de um som único, nacional, reforçando o movimento tropicalista”.

Há 40 anos a música, em especial o Rock, passava por um dos seus períodos mais importantes. Em 1968 explodiam vários tipos de manifestações sociais, culturais e comportamentais, que afetaram fortemente o Rock’n'roll. Um movimento de contracultura que se originara da geração beatnik começava a dar forma a uma nova corrente do Rock. Era o movimento hippie, que trazia consigo a psicodelia e o questionamento ao sistema estabelecido. Através de um estilo de vida totalmente alternativo, com roupas diferentes, vivendo em comunidades improvisadas e experimentando substâncias alucinógenas para alterar o estado de consciência, os hippies influenciaram não só toda uma camada de jovens inconformados, mas também injetaram novo vigor à música.

O rock psicodélico surgia daí como uma forma de revolucionar o que era feito até então. Incorporar as sensações causadas pelos psicotrópicos à sonoridade das músicas. Subverter e viajar através do som. Letras e linhas de guitarras totalmente surrealistas.

O ano de 1968 foi o auge da psicodelia no rock. Foi nesse ano que muitas bandas estouraram e outras lançaram seus principais álbuns. Jimi Hendrix e sua banda, The Jimi Hendrix Experience, lançavam Electric Ladyland, com gravações que iriam entrar para a história, como o cover de “All Along The Watchtower”, de Bob Dylan, além de um dos seus principais clássicos, “Voodoo Child”. The Big Brother And The Holding Company, que tinha à frente ninguém mais ninguém menos que Janis Joplin, lançava Cheap Thrills, simplesmente o disco que contém “Piece Of My Heart”, além do sensacional cover do jazz de George Gershwin “Summertime”.

Com Waiting For The Sun, o The Doors abre as portas do sucesso com o hit “Hello, I Love You”. É bem verdade que a banda já havia estourado com o primeiro disco homônimo de 1967, mas foi com esse álbum que Jim Morrison e seus parceiros estrearam o primeiro lugar nas paradas.

Foi um ano de mudanças para o Pink Floyd. Saía Syd Barrett, com sérios problemas psiquiátricos (ocasionados pelo uso excessivo de LSD), e entrava David Gilmour, dando nova cara à banda. Com a mudança, o disco A Saucerful Of Secrets acaba por ter a participação dos dois guitarristas e vocalistas, sendo a presença de Barrett restrita à última faixa, “Jugband Blues”, composta e cantada por ele.

Outro grande expoente do rock psicodélico a lançar um disco nesse ano foi o Grateful Dead. A banda de São Francisco, California, liderada pelo vocalista e guitarrista Jerry Garcia, surgia com Anthem Of The Sun, seu segundo álbum, e um dos mais psicodélicos da carreira da banda.

Foi também um ano de despedidas. O Cream, do grande guitarrista Eric Clapton, decretava o seu fim, e com isso o início da promissora carreira solo de seu líder. Lançam Wheels Of Fire, que viria a ser o penúltimo disco da banda, que deixaria o réquiem para 1969, com Goodbye. Fazem seu último show em Londres, no dia 26 de novembro, no Royal Albert Hall

Os Beatles, sempre à frente de seu tempo, começavam a deixar a psicodelia de lado (mas não totalmente) com o lançamento do Álbum Branco, que reúne diversos tipos de elementos musicais, isso depois de três discos altamente lisérgicos (Revolver de 1966, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band e Magical Mystery Tour, de 1967). Mas antes lançam um filme e um álbum que se tornanaram ícones da geração lisérgica: Yellow Submarine, um desenho animado musical que unia os grandes sucessos dos últimos álbuns da banda com uma história maluca e cores e formas extremamente berrantes. Foi, é claro, um grande sucesso entre os amantes da arte psicodélica.

Frank Zappa & The Mothers Of Invention não eram propriamente uma banda de rock psicodélico. Pelo contrário. Zappa era contra e proibia veementemente que seus músicos usassem qualquer tipo de droga. No entanto, é difícil encontrar som mais viajante do que esse na década de 60. We’re Only In It For The Money, terceiro álbum dos Mothers, tirava sarro de tudo que estava em voga em 1968. Sobrou até pros Beatles, que foram satirizados na capa que parodiava Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band. Mas o pricipal alvo dos Mothers no disco foi o movimento hippie, ridicularizado o tempo todo em boa parte das 19 faixas. E o mais curioso é que eles riam da psicodelia sendo psicodélicos. Genial, por assim dizer.

Não podemos ignorar a psicodelia brasileira, e seus maiores expoentes: Os Mutantes, que lançavam seu disco de estréia homônimo, que continha dois sucessos compostos por outros grandes artistas, mas que ficaram famosos nos arranjos dos irmão Baptista e Rita Lee: “Panis Et Circensis”, de Caetano Veloso e Gilbero Gil, e “A Minha Menina”, de Jorge Ben. O sucesso da banda não ficou restrito ao Brasil, ao contrário, foi muito maior no estrangeiro, sendo considerada uma das principais bandas psicodélicas da história do rock, juntamente com outras já citadas acima.

Por falar em estréias, três grandes conjuntos musicais deram em 1968 o pontapé inicial de suas meteóricas carreiras: o Jethro Tull, com This Was, o Deep Purple com Shades Of Deep Purple, além do grande Led Zeppelin, que fez o seu primeiro show e gravou seu primeiro disco, Led Zeppelin, que seria lançado em janeiro do ano seguinte.

Enfim, não dá pra esquecer o que 1968 representou para o Rock. Foi ali que surgiram boa parte dos clássicos que fazem até hoje jovens delirarem e extravasarem toda a sua rebeldia. Foi o marco de uma geração que não se conformou com a situação da sociedade na época e resolveu fazer a diferença. E que com isso fique a lição para as gerações presentes.